Des artistes « entrelacés » tissent la beauté, la mémoire, l'histoire et le traumatisme dans l'art du textile et de la fibre

Entwined: A Group Exhibition of Textile and Fiber Art, au Marietta Cobb Museum of Art jusqu'au 4 juin, est la dernière présentation par la conservatrice du musée Madeline Beck de perspectives non conventionnelles et esthétiquement convaincantes sur les genres traditionnels - qui semblent devenir son style de signature. Comme dans les expositions précédentes, elle utilise principalement des œuvres d’artistes de la région métropolitaine et, comme toujours, Beck a porté une attention particulière à la diversité de toutes sortes, y compris l’esthétique.

Bien que les méthodes et les matériaux traditionnels de l'art du textile et de la fibre soient présents partout, ils sont combinés avec un certain nombre de matériaux non traditionnels, ou composés presque entièrement d'entre eux, comme dans le cas de Sigh, la sculpture en forme de panier de Sally C. Garner de 2021 tissée à partir de tubes respiratoires médicaux.

Garner utilise le tissage de diverses manières non conventionnelles. Dans Altered Timelines No. 4, Jade (2022), elle lie des cure-dents en bambou pour en faire un textile flexible basé sur l'idée de détacher les rayons d'un panier. Droplet in Time (2022) utilise des bandes tissées à partir d’impressions cyanotypes.

Ali O'Leary intègre également la photographie dans les médias artisanaux, en superposant des broderies de coton sur des photographies en satin matelassé. Les résultats de cette méthode sont des œuvres d’art magnifiques mais chargées de théorie. Un exemple est Présence (2021), dans lequel le mot du titre apparaît et disparaît sous une image de l’océan et du ciel, un effet lenticulaire qui dépend de l’angle sous lequel on le regarde.

Ces processus inattendus sont des subversions assez simples des textiles habituels par rapport à d'autres contributions telles que la couture à la main de Susan Lenz sur des fragments de courtepointe vintage qui attache toutes sortes d'objets du quotidien tout aussi vintage dans des mandalas en cercles concentriques. Les taxis jouets, les couvercles de shakers à épices et les adaptateurs de disques 45 tours ne sont qu'une infime fraction de la variété des objets incorporés dans ces enquêtes sur l'histoire et la mémoire.

Dans ses combinaisons surprenantes de textures et de couleurs dans ses pièces murales, Gabrielle Torres utilise des tissus déchirés sur des jeans, des bouteilles en verre et des cheveux synthétiques, mais y ajoute des plantes vivantes comme le lierre anglais ; il sera maintenu en vie tout au long de l’exposition au fur et à mesure que ses parties se faneront ou s’affaisseront.

Comme pour tous les autres œuvres d’art de cette exposition, l’effet est à la fois esthétiquement attrayant et intrigant sur le plan conceptuel et pratique : qu’est-ce qui se passe dans de telles transformations inattendues des processus traditionnels ? La curiosité autour de cette question est probablement un élément à retenir de l’exposition pour un public peu familier avec les pratiques de l’art textile contemporain.

Dans le contexte déroutant de cette exposition, même le confort relatif des impressions par sublimation de Rose M. Barron sur des banderoles en soie, représentant des femmes portant des robes ruisselantes immergées dans l'eau qui coule, peut sembler déconcertant. La même chose est encore plus vraie pour Spirit Is a Bone (2020), initialement familier et remplissant les murs de Sonya Yong James, qui associe des draps vintage filés à la main et des dents de coyote, des os de corbeau et des cendres de chien pour créer une méditation convaincante. sur l'histoire et la mortalité.

Le traumatisme apparaît comme un sous-thème constant, souvent de manière inattendue, comme dans les bodys de Nicole Benner crochetés à partir de fils de cuivre, un véritable inconfort symbolique d'une vie vécue dans une douleur physique chronique.

Certaines des sculptures de Jess Self réalisées à partir de laine feutrée à l'aiguille sont posées dans des positions reflétant la réponse à des traumatismes passés, mais Wholeness (2021) présente une variété de textiles de couleur crème recouvrant une version en fil de fer de son corps, avec un tas de tissus amples. tissu à ses pieds, symbolisant le processus d'atteinte de la plénitude que Carl Jung considérait comme l'unification du conscient et de l'inconscient.

Hannah Ehrlich aborde la conscience et l'obscurité intérieure à travers une méthode très différente. Ses tentures murales désormais familières poursuivent leur exploration du chaos et de l'ordre dans la vie émotionnelle dans des pièces telles que les bleus de 2023. De te connaître, j'ai appris à savoir qu'elles sont belles.

Tous les thèmes de l'exposition que sont l'histoire, la mémoire personnelle, le traumatisme et la transformation trouvent leur place dans le travail des artistes afro-américains, mais leur esthétique personnelle reste la préoccupation majeure.